GALERIA DE ARTE ARENALES
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© 2016 Derechos Galería Arenales

HISTORIA DEL ARTE

CURSO TEÓRICO DE APRECIACIÓN DEL ARTE

A cargo de Lic. CRISTÓBAL DABADIE

Profesor Nacional de Bellas Arte

ROMÁNICO - GÓTICO 

RENACIMIENTO 

MANIERISMO - BARROCO

NEOCLASICISMO - ROMANTICISMO

IMPRESIONISMO  POSIMPRESIONISMO

EXPRESIONISMO  FAUVISMO  CUBISMO

DADAISMO  SURREALISMO

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

POP ART - ARTE, POLITICA Y SOCIEDAD

ARTE CONCEPTUAL - PERFORMANCE

TRANSVANGUARDIA - ARTE CONTEMPORANEO

INSCRIBITE

CICLO B comienza el miércoles 13 de noviembre

MIÉRCOLES  DE 18 A 20 Hs.

El pago podrá realizarse minutos antes del inicio de la primera clase.

Consultá Aranceles

Solo 4 clases

Desarrollá  competencias en la apreciación de los valores fundamentales del Arte a través de su Historia y el Análisis de  obras determinadas.

 

Potenciá la visualización de distintos procesos creativos, estilos artísticos y funciones socioculturales de la Obra de Arte.

 

Mejorá en la reflexión y comprensión del Arte a través de sus distintos contextos históricos, dinámicas ideológicas, de lenguaje y expresividad.

 
 

CICLO A      

Ambos períodos forman son parte de la Edad Media cuyo inicio se entiende después de la caída del Imperio Romano de occidente.

 

El románico es un estilo artístico que predominó en la Europa occidental durante los siglos XI, XII y XIII. Surge como consecuencia de la fundación y desarrollo de diversas órdenes religiosas y su progresiva consolidación espiritual. Se caracteriza fundamentalmente por un cambio de paradigma centrando la cosmovisión en Dios: Teocentrismo. Sus grandes construcciones están orientadas a la protección tanto física como a la espiritual, situadas en lugares estratégicos para favorecer estos objetivos, y toda una imaginería rústica relacionada con la vida en torno al resguardo, la oración y el trabajo. Está íntimamente ligado al fenómeno verticalista, político y social del feudalismo. Románico propone “a la manera de Roma”, es el período más conservador de la Edad Media. Sus formas estéticas son una reminiscencia del Imperio acabado.

 El estilo gótico surge en Europa entre los siglos XII y XIII y visiblemente va transformando los paradigmas religiosos y sociales a una exteriorización. Los grupos sociales se trasladan de lugar dentro y fuera de los recintos sagrados y se trasladan espiritualmente materia/espíritu. Es una experiencia más sensible y cambiante de la vida, relacionada con el triunfo de la fe, los viajes, el comercio. Gótico alude directamente a la cultura de los bárbaros, “godos”, y sus apegos clásicos declinan haciéndose más evidentes las características estéticas naturales y orgánicas. Lo teocéntrico se vive profundamente como luz y color, y el compromiso con lo inmaterial comienza a desplazar los principios feudales de permanencia y verticalidad.

  ROMANICO - GOTICO  

Se llama renacimiento a un movimiento cultural que contiene toda una cosmovisión muy definida en torno a la recuperación de paradigmas clásicos, la difusión de las ideas del humanismo y al concepto antropocéntrico de la vida. Se desarrolló entre los siglos XV y XVI, iniciándose en Florencia y expandiéndose a continuación al resto de Europa. El concepto renacimiento reúne toda una serie de situaciones, descubrimientos y estructuras de pensamiento que cambió la dinámica del sujeto occidental hasta nuestros días. La realidad se conquista y se domina, desde lo empírico, humano. El concepto individuo marca para siempre la estructura de la sociedad. Lo racional se muestra y demuestra. La gran novedad está en la participación de lo religioso en esta dinámica clásica. Dios es presentado a imagen y medida humana. Si Dios es humano, el ser humano es Dios. El ser humano está destinado a ser perfectible y divino, es el centro de la vida, de la belleza y del universo

RENACIMIENTO. Domo.Florencia.Brunellesch
RENACIMIENTO.1450. beato18.jpg

  RENACIMIENTO  

Según algunas teorías estéticas/históricas, la figura de un péndulo ha estructurado nuestro devenir occidental. El neoclasicismo y el romanticismo son dos nuevas maneras de transitarlo, y no sólo eso, también se ha expuesto ser su último vaivén. - El neoclasicismo es un estilo artístico que nuevamente pretende recuperar los paradigmas de la antigüedad clásica tras el paso caótico por el barroco y los delirios decorativos, sensuales y amables del rococó. El dominio de la razón en la ilustración deriva en un nuevo reordenamiento de la sociedad. Es el triunfo de las ideas y del deber por sobre los sentimientos. Es la necesidad de conquistar y dominar todo en un concepto totalizador e imperialista. - El romanticismo es la respuesta a las crisis de las mismas concepciones neoclásicas. Se constituye en un estilo artístico comprometido con la entrega del sujeto a las fuerzas de la naturaleza y a la tragedia de existir. Los sentimientos son la base de la vida experimentados desde la tormenta y el ímpetu. Es posible que el desapego final a las formas aparentes y al tiempo destinado para esas conquistas, y la angustia del vacío que generan procure la cara de sufrimiento a este movimiento en la sociedad de principios del siglo XIX.

ROMANTICISMO.1831._Autorretrato_(D1)._Eu
ROMANTICISMO. Friedrich.jpg

  MANIERISMO - BARROCO  

La sociedad esta cambiado. Los tiempos eran diferentes y las verdades empezaban a cuestionarse con muchas más premuras que la velocidad de la que eran asumidas. Los vicios de las mismas estructuras eran cada vez más evidentes y causantes de las propias caídas. - El manierismo es un movimiento artístico de transición entre el renacimiento y el siguiente llamado barroco. Se caracteriza por proponer una inestabilidad compositiva, pictórica y conceptual. Esta comprometido con las crisis sociales y religiosas y a las experiencias cambiantes de la vida. Hasta la apariencia figurativa es modificada en virtud del compromiso por esta variabilidad existencial. - El barroco es un estilo desarrollado en el siglo XVII y comprometido fundamentalmente con las crisis y transformaciones religiosas. Es un movimiento artístico evangelizador cuyas estrategias visuales lo hacen dinámico, contrastante, sensible, provocador y popular. Apela al recargamiento figurativo y a los principios contrarreformistas. Es experimentado de diferentes maneras según la situación geográfica y política. Incluso el hecho de arraigarse en Roma, desplazando a Florencia como centro generador de la nueva cultura. Se afirma el nuevo concepto de vida: la transformación.

BARROCO.Jacobo Ruisdael. La cascada..166
MANIERISMO.El caballero de la mano en el

El impresionismo es un momento en la historia del arte que busca la detención del tiempo. Es el encuentro entre la subjetividad de la impronta expresiva, la rapidez y lo inconcluso con la objetividad de la búsqueda por revelar una realidad más verdadera, nueva, revolucionaria comprobando leyes cromáticas y perceptuales. Es el momento donde se detiene el péndulo de los acontecimientos de la historia, quizás la mayor bisagra direccional de la historia del arte.

 

El artista determina sus referentes, sale al aire libre y define el tiempo que dedicará a su trabajo. Pintar se convierte explícitamente en una investigación donde las mayores variables son la capacidad de asombro y la experiencia sensible, personal y subjetiva.

Es un momento profundamente relacionado con su contexto histórico. Específicamente con la Revolución Industrial y sus repercusiones existenciales sobre el cambio del concepto “tiempo” y “espacio”. El referente utilizado para llevar a cabo estos estudios es la luz.

Algunos artistas de esta época son: Édouard Manet, Claude Monet, Paul Cézanne, Edgar Degas, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Camille Pissarro.

    IMPRESIONISMO    

   POSIMPRESIONISMO  

Rápidamente el impresionismo empieza a evolucionar y revolucionar en movimientos o estilos más individuales y más radicales. Es una época sin nombre específico a la que se denominó posimpresionismo. Se caracteriza por desarrollar en cada artista encuentros motivacionales intransferibles capaces de transformarse en técnicas específicas, absolutamente innovadoras y originales. Algunos impresionistas avanzan en este proceso, también se suman artistas nuevos. Algunos trastornos personales son la base de estos nuevos rumbos: desarraigo, falta de identidad, abandono, sufrimiento; casi todos nacidos de la ruptura de los paradigmas socioculturales, de la bohemia y de la validación de los traumas individuales como fuente de estimulación expresiva. Es el momento donde cada artista revoluciona las técnicas tradicionales, abre alternativas estético/lingüísticos a partir de conflictos más específicos y personales.

 

Algunos artistas de esta época son: Henri Toulouse - Lautrec, Edgar Degas, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat, Paul Signac.

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POSIMPRESIONISMO.van gogh.la noche.estre

Son tres de las diversas maneras en que comenzó un proceso histórico llamado de las “vanguardias”.

Diversifica los fundamentos del quehacer artístico y mantiene en común un ansia de transformación irreverente y violenta. Las verdades absolutas y verticales dejan lugar a las transversales y equivalentes. Se suceden simultáneamente posturas rotundas y diferentes, aunque todas tras un objetivo común: destruir los antiguos paradigmas y trabajar en la construcción de discursos visuales revolucionarios.

Los conflictos socioculturales tomados desde perspectivas personales, y los propios de cada artista comienzan a ser los referentes: la tragedia existencial, deshumanización, vacío existencial, dolor físico y espiritual, progreso y autodestrucción, etc.

  • El expresionismo afecta y deforma la realidad, las apariencias figurativas en busca de la expresión de los sentimientos, de los conflictos más profundos de la naturaleza del ser humano, a veces repulsiva y muy violenta. Muy vinculado trastornos psicológicos, sociales, y a postulados existencialistas filosóficos, literarios contemporáneos.

  • El fauvismo (despectivamente calificada como pintura/acto de salvajes) intenta demostrar que el color es independiente de la forma. Los límites de los objetos son transgredidos por la energía del color. Toda la sensibilidad y expresividad cromática se instala como protagonista de la experiencia de pintar, de sentir, experimentar, incluso conducir compositivamente las emociones provocadas por el color.

  • El cubismo (irónicamente calificada como pintura/imagen basada en cubos) aborda la realidad desde el manejo de la información, del tiempo y espacio no lineal sino que simultáneo. La desconstrucción de la realidad tradicional es su objetivo plástico, luego avanza a una nueva reorganización basada en el manejo de formas, estructuras fragmentadas y a pautas experimentales de manejos lingüísticos absolutamente innovadores.

Algunos artistas de esta época son: Edvard Munch, Alexej von Jawlensky, Erich Heckel, Ernst Ludwing Kirchner, Franz Kafka, Arnold Schönberg, Igor Stravinski, Egon Schiele, Vassili Kandinski, Franz Marc, Gabriele Münter, Oskar Kokoschka, Amedeo Modigliani, James Ensor, Henri Matisse, Maurice Vlaminck, André Derain, Pablo Picasso, Juan Gris, Georges Braque, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Guillaume Apollinaire.

CUBISMO. 1908. Compotera y frutas. Pablo
FAUVISMO.Estudio de Matisse EN collioure
EXPRESIONISMO.the first animals. Franz M

 EXPRESIONISMO   FAUVISMO   CUBISMO  

Son dos movimientos vanguardistas tan diferentes como interrelacionados.

  • El dadaísmo aparece como la reacción artística más violenta de la historia. Es el único que determina su propio nombre. En medio de la Primera Guerra Mundial y todos sus desastres, pretende devastar todo lo que ha conducido a ella. Es decir, todas las certezas que hasta ahora habían sostenido a la cultura occidental: ideológicas, religiosas, axiológicas, etc. Se instala el caos, la destrucción, la ironía y la anarquía absoluta, incluso las anteriores vanguardias son sometidas a cuestionamiento ya que de alguna manera también se constituían en un nuevo sistema de trabajo. Quizás ésta nueva apocalipsis ayudó a abrir paso al movimiento más innovador hasta esa fecha, y valida momentos “surrealistas” de la antigüedad y lo proyecta infinitamente.

  • El surrealismo es la visualización de la experiencia psíquica y automática del artista con el subconsciente. Son los postulados del psicoanálisis que traducidos al plano artístico y creativo abren los pensamientos y el mundo onírico, sin escatimar en irreverencias, insolencias, exposición de instintos y

 

deseos, manejo de símbolos, etc. Es el tránsito por nuevas dimensiones, realidades diversas, subjetivas, únicas.

Algunos artistas de esta época son: Hugo Ball, Macel Duchamp, Kurt Schwitters, Max Ernst, Leonora Carrington, René Clair, Man Ray, Tristán Tzara, Francis Picabia, Pablo Picasso, Erik Satie, Giorgio de Chirico, Salvador Dalí, André Bretón, Roberto Matta, Luis Buñuel, Federico García Lorca, René Magritte, Vassili Kandinski, Joan Miró, Paul Klee, Xul Solar.

SURREALISMO.1931._La_persistencia_de_la_

  DADAISMO    SURREALISMO  

El Expresionismo Abstracto es una reacción violenta a la extinción del sentido existencial de la vida. Está comprometida con la destrucción de las formas y los paradigmas, con la denuncia del extremo grado de depresión de la postguerra. Avanza a los grandes formatos, propone nuevos e infinitos espacios estéticos, perceptuales. Hace más explícita la impronta gestual, corporal y profundamente existencial: Action Painting.

En un contexto destructivo y autodestructivo absoluto. Es el encuentro con el final y el vacío concreto. Son los inicios de las tendencias informalistas, subjetivas, de una revolución estética más radical

 

y compromisos directos con la materialidad. Todo en un plano absolutamente alejado de lo descriptivo, donde lo abstracto sustenta las nuevas posibilidades plásticas. Quizás en el momento donde lo expresionista se une con lo conceptual, y emerge un nuevo principio de concepción de realidad.

Algunos artistas de esta época son: Willem de Kooning, Jackson Pollock, Franz Kline, Marc Rothko.

1952.  Convergencia. Jackson Pollock.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO. jackson pollock
1960. Sin título. Franz Kline
1960. Rojo y amarillo. Marc Rothko.

  EXPRESIONISMO ABSTRACTO  

Pop Art, Arte Popular. Es el momento donde el arte construye un nuevo vínculo con la sociedad, desde su acceso, rol y mecanismos de difusión. Utiliza los medios de comunicación masivos, recursos publicitarios e imágenes de la sociedad de consumo. La repetición iconográfica hace eco de la uniformización alienada de la sociedad. El plano político de todos los discursos es evidente. Desencadena una suerte de revolución anti-

 

consumo comprometida con textos, colores, objetos, información. El Arte social reaccionario aparece como parte de la visualización de valores humanos mínimos en un nuevo compromiso con la realidad pública y marginal, generado estrategias plásticas revolucionarias. El arte urbano es una muestra de ello, sale a las calles y se apropia de soportes públicos, muros y paisajes afectados por el rigor represivo. El arte se hace colectivo, anónimo, público.

Algunos artistas de esta época son: Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Ernest Pignon-Ernest, Roberto Matta.

1960. El Beso. Roy Lichtenstein.
1963. Marylin Monroe. Andy Warhol.
1960. Pilgrim. Robert Rauschenberg.
1974. Arte urbano. Niza. Ernest Pignon-Ernest.

 POP ART: ARTE, POLITICA Y SOCIEDAD 

El Arte Conceptual es una gran experiencia de resignificación lingúistica sobre los valores, del sentido y la síntesis al quehacer artístico, es una revolución ética y estética. La idea es lo que determina las condiciones del proceso creativo y de la obra. El Arte Povera, el Land Art, Body Art, cuestionan la técnica, los componentes de la obra, incluyendo los soportes.

La Performance se perfila como la solución de la puesta en escena y del arte en vivo. Es hacer del arte una experiencia basada en lo que está sucediendo. La obra aborda el espacio tridimensional y se hace artísticamente transversal. Los llamados Happenings proponen una nueva dinámica coordinando la provocación, la participación. El suceso está basado en la improvisación, en la participación espontánea, en una dinámica anónima y colectiva. Los límites de la obra cambian para siempre. El rol del observador alcanza su máxima participación. Es imposible separar lo axiológico, lo técnico y lo referencial.

Algunos artistas de esta época son: Spencer Tunick, Ives Klein, Antoni Tàpies, Nicolás García Uriburu, Marina Abraimovic, Robert Smithson, John Cage, Claes Oldenburg, George Masiunas.

1962. IKB 191. International Klein Blue. Ives Klein.
1971. El espíritu catalán. Antoni Tàpies.
1970. Coloración del Gran Canal de Venecia. Land Art. Nicolás García Uriburu.
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 ARTE CONCEPTUAL - PERFORMANCE 

CICLO B 

 

CICLO C 

 

La Transvanguardista avanza más allá de las vanguardias. Reconstruye el asombro y la alegría sin dejar de ser parte de fenómenos de alienación ecléctica, simbólica y conceptual. Se instala un subjetivismo atemporal, anárquico, neoexpresionista. Es la cumbre en visualización del posmodernismo.

El Arte Contemporáneo surgido en nuestra historia más inmediata ha continuado replanteando paradigmas e intentando definir a la inasible sociedad actual. Es el final de los estilos y de las épocas, nace una nueva cosmovisión digital, virtual, multidimensional, donde la dinámica de las obras y los espectadores supera las estructuras de la comunicación y el manejo de la información. Es preciso clasificar y reordenar constantemente.

Algunos artistas de esta época son: Achile Bonito Oliva, Sandro Chia, Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Claes Oldenburg, Jean Michel Basquiat, Christo, Paul Chan,

1981. Ángel caído. Jean Michel Basquiat.
1988. Cuchara puente y cereza. Minneapolis. Claes Oldenburg.
1995. Edificio del Reichstag envuelto. Berlín. Christo y Jeanne-Claude.
2013. Volumenes. Paul Chan.

 TRANSVANGUARDIA - ARTE CONTEMPORANEO 

Historia del Arte